Après son émigration en France en 1923, Constantin Korovin a peint beaucoup d’œuvres inspirées de Paris. Le « Café sur les grands boulevards » est l’une de ces œuvres. Cette peinture renvoie l’ambiance calme et posée sur les grands boulevards à l’approche du midi. Par son grand génie, l’artiste a su reproduire avec fidélité l’ombrage des arbres qui ornent les grands boulevards de Paris.

Après son émigration en France en 1923, Constantin Korovin va concevoir de nombreuses peintures représentant Paris. Et parmi l’une des emblématiques d’entre elles, il y a la peinture « Fête populaire dans Paris ». On peut y voir la profonde maîtrise de l’artiste de l’impressionnisme à travers le choix des couleurs, mais surtout à travers ses coups de pinceau parfois bruts.

En 1923, grâce à l’aide de Lounatcharski, Constantin Korovin émigre en France. Là, l’artiste, comme beaucoup d’autres avant lui, tombe en amour pour cette capitale romantique qu’est Paris. Comme signe de cet amour, Korovin va représenter Paris dans quelques-unes de ses œuvres, dont cette peinture « Autumn in Paris », 1929.

Un hommage à la belle ville de Paris, voilà comment on pourrait décrire la peinture « Paris », 1923 de Constantin Korovin. Le caractère un peu confus des coups de pinceaux de l’artiste et le jeu de couleur exquis montrent Paris sous son plus beau jour : dynamique, passionnée et foisonnante de vie.

Constantin Korovin est un artiste qui a le don d’interpeller sur la beauté d’un moment simple et commode. Cela se prouve par cette magnifique peinture « The Guitar player ». On y voit un jeune guitariste grattant son instrument tout en étant perdu dans ses pensées. Véritable objet de collection, cette œuvre apportera prestige dans votre décoration.

Constantin Korovin est un peintre qui aime capturer la vie et représenter les échanges humains. Nombre de ses œuvres, dont cette peinture, « Afternoon tea on the terrace » le prouve. Cette peinture représente deux jeunes femmes profitant d’une journée bien ensoleillée sur une terrasse. On voit bien ici la maîtrise de l’artiste de son art et son grand souci du détail, surtout au niveau des contours des figurines.

« Roses and apples » est une œuvre splendide de Constantin Korovin. Elle représente une scène figée : un pot de rose, avec des pommes autour, posée sur la table d’un balcon donnant sur une belle vue de la mer. À travers ses coups de pinceau précis et sa grande maitrise du relief, l’artiste nous transporte devant cette table, profitant de la douce brise de l’air marin et des rayons chaleureux du soleil.

Comme tous les peintres impressionnistes, Constantin Korovin aime capturer des instants anodins. C’est le cas dans sa peinture « On the veranda ». L’artiste y représente plusieurs personnes discutant autour d’une table durant une belle matinée. On constate l’attention portée au contraste : relief et couleurs ont été soigneusement étudiés pour reproduire aussi fidèlement que possible la luminosité naturelle.

La peinture « Boulevard des Capucines », 1912 de Constantin Korovin est une des œuvres emblématiques de l’artiste. Ce dernier a tenté de reproduire l’ambiance sur le Boulevard des Capucines durant la nuit : une ambiance vivante, des rues bondées… Il capture un moment, dessine une impression, restant ainsi fidèle à lui-même : un impressionniste.

Le talent de Mai-Thu et ses nombreuses représentations de son pays natal, le Vietnam, ont fait sa renommée. Sur cette peinture « Le vent printanier », 1940. L’artiste met en scène deux belles jeunes filles se promenant au bord d’un lac, qui sont contraintes de s’en aller en raison du fort vent printanier.

Au Vietnam, il n’est pas rare pour les jeunes filles et les enfants de cueillir des nénuphars. Sur cette peinture « Cueillette de nénuphars », 1943, Mai-Thu a voulu montrer une telle scène. On peut y voir deux groupes de jeunes femmes cueillant des nénuphars, le premier groupe sur la rive et l’autre groupe sur une petite pirogue.

Mai-Thu aime bien à travers ses œuvres représenter les  habitudes de son pays natal. Sur cette peinture « L’heure du Thé » de 1943, il montre une jeune fille portant une robe traditionnelle vietnamienne profitant d’une bonne tasse de thé. Comme à son habitude sur ce genre de style, l’artiste confond le plan horizontal et le plan vertical.

À travers ses œuvres, Mai-Thu a partagé sa culture et le quotidien de son Vietnam natal au monde. Sur cette peinture « La jeune fille de Hué », 1937, l’artiste peint une fille de l’ancienne capitale du Vietnam, différente des jeunes filles des compagnes par ses habitudes et ses manières. Une fille pleine d’esprit.

Mai-Thu aime bien représenter son Vietnam natal dans ses œuvres : les mœurs, les modes de vie, le quotidien… Sur cette peinture « Le chuchotement » de 1954. L’artiste montre une scène assez inhabituelle, même dans les compagnes : deux jeunes filles qui se cachent derrière un buisson écoutant la discussion de deux hommes qui chuchotent.

Mai-Thu a été surtout connu pour ses représentations d’enfant. Sur cette peinture « Jeune femme à la lettre », l’artiste peint une jeune fille totalement absorbée par la lecture d’une lettre qu’elle tient dans sa main gauche dans un espace vert sarcelle qui confond le plan horizontal et plan vertical.

« Femme à la robe orange, 1937 » de Mai-Thu est une des plus belles réalisations de l’artiste. Dans un décor où vert céladon et blanc lavande se mêlent, Mai Thu peint une belle femme assise portant un áo dài, une robe traditionnelle vietnamienne, de couleur orange. L’artiste nous montre ici, son profond attachement pour sa culture, ainsi que sa volonté de la faire connaitre.

« Champ De Fleurs, 1979 » est une des nombreuses peintures de représentation d’enfants de Mai-Thu. Cette peinture nous transporte dans un monde imaginaire au côté de deux jeunes filles se tenant la main et se promenant dans un large champ de fleurs aux pétales rouges et roses. Le choix des couleurs renvoie un petit sentiment de mélancolie.

Mai-Thu est un peintre vietnamien qui ne s’est fait vraiment connaitre que depuis la fin des années des années 50. On se souvient surtout de lui pour ses œuvres montrant pour la plupart la vie quotidienne vietnamienne. La « Jeune fille à l’éventail »  en est un exemple. On y voit une jeune fille perdue dans ses pensées portant à la main droite un éventail plié.

Vers la fin de sa vie, Pablo Picasso a réalisé de nombreuses œuvres montrant des scènes de couples, un thème qui lui est particulièrement cher. Cette peinture « Homme et femme », 1969, est l’une de ces œuvres. L’artiste s’est représenté à droite et sa femme à gauche. Ici, l’accent est mis sur l’érotisme.

« Femme Assise sur fond Bleu-Rouge, 1956 » a été réalisé par Pablo Picasso en prenante inspiration sur Jacqueline Roque, sa muse durant les 20 dernières années avant sa disparition. L’artiste a peint cette œuvre seulement quelques années après leur première rencontre. Il combine ici la représentation simple avec les techniques qu’il a peaufinées durant sa période cubiste.

Les 15 dernières années de la vie de Pablo Picasso sont souvent appelées « Jacqueline ou la liberté du grand âge ». Ces années, l’artiste le passe dans la solitude… tous ses amis sont morts. Il abordera dans son travail 2 grands thèmes : le mousquetaire espagnol et l’érotisme. Et cette peinture, « Mousquetaire Buste », 1967 n’est qu’une œuvre parmi d’autres qui montrent cet amour soudain pour le thème mousquetaire.

Cette peinture « Femme écrivant (Marie-Thérèse) », 1934 est l’une des œuvres les plus intimes de Pablo Picasso. Il y peint Marie-Thérèse Walter, la femme qui entra dans sa vie en 1927 et qui influencera profondément son art. L’artiste a réalisé cette œuvre à Boisgeloup, un château pittoresque situé près de Gisors qu’il a acheté en 1930 dans le nord-ouest de Paris.

Après 1912, Jean Dunand commence à se concentrer sur l’art de la laque. Il en est ressorti des œuvres exceptionnelles comme cette peinture « Deux figures à genoux », 1929, qui montre un homme et une femme se regardant les yeux dans les yeux, tous deux sur à genoux, partageant sans doute leur douleur, compte tenu de la couleur choisie par l’artiste.

La conquête du cheval est une œuvre de Jean Dunand. On peut y voir deux hommes travaillant de concert tentant de capturer à l’aide d’un lasso un cheval sauvage. Outre la scène intense, on voit à travers cette pièce, la profonde maîtrise de la peinture laquée et le savoir-faire riche de l’artiste.

Jean Dunand est né pour être un grand artiste. Sa pluridisciplinarité étonne. À la fois grand sculpteur et grand dinandier, l’artiste s’avère aussi être un grand dessinateur, un portraitiste très habile. Parmi les nombreux portraits qu’il a réalisés, « Madame Agnès » est l’une des peintures qui expriment son grand talent dans le portrait.

La peinture est l’un des nombreux domaines dans lesquels Jean Dunand excelle. À travers cette peinture « La chasse (détail), 1935 », il nous montre encore une fois son grand savoir-faire et sa grande maîtrise de la laque. Cette magnifique pièce fera certainement le grand plaisir des passionnés et des connaisseurs.

Jean Dunand est considéré comme l’un des plus créateurs d’Art déco. Il excelle non seulement dans la sculpture, mais également dans la dinanderie et le travail de la laque. La « Femme dans la végétation, 1930 » montre justement sa grande maîtrise de l’art de la laque. On y voit une femme se reposant au centre d’une végétation luxuriante.

À partir des années 1960, Vasudeo Gaitonde s’est éloigné peu à peu des motifs géométriques que l’on voyait souvent dans ses œuvres des années 50. Il a commencé à expérimenter la peinture avec rouleur et couteau à palette. Après, il appliquait des couches de peinture translucides sur ses toiles. Ce procédé laborieux aboutit à la naissance des œuvres rayonnantes et incandescentes comme « Painting No. 3, 1962 ».

Vasudeo Gaitonde est considéré comme l’un des principaux peintres abstraits de l’Inde. Son art est profondément influencé par la calligraphie ancienne et la philosophie Zen. On retrouve des bribes de ces concepts dans cette « Composition No.5, 1963 ». La peinture est emplie de légèreté, mais on sent également la profonde réflexion qu’avait l’artiste lors de sa création.

Vasudeo Gaitonde est l’un des artistes les plus influents de l’art moderne de l’Asie du Sud-Ouest. On se souvient de lui pour son style évolutif. Entre 1940-1950, l’artiste se perd dans des explorations figuratives et géométriques. De 1960-1970, il se plongera dans l’abstraction pure. Et cette peinture « Sans titre », 1963 fait partie des œuvres qu’il a produites durant cette période.