Au travers de sa peinture, le peintre chinois transporte de l’intérieur vers une harmonie d’un monde onirique. Seul subsiste les sensations, les possibilités offertes par l’ouverture de sa peinture. Grâce aux œuvres de Zao Wou-Ki la couleur n’agrémente pas la toile, elle la compose et devient pure invention de l’esprit.

Sayed Haider Raza est l’un des peintres les plus distingués du sous-continent indien. Il est particulièrement célèbre pour son utilisation des couleurs riches et vives et pour l’incorporation de la philosophie et la cosmologie indienne dans ses œuvres. Et on voit bien cela à travers cette peinture « Tarangh, 1975 », une œuvre mystérieuse et profonde.

Sur cette peinture « Rajasthan I, 1983 », Sayed Haider Raza rassemble ses influences françaises et indiennes pour réaliser une représentation ultime de la nature. Cette peinture illustre la progression de l’artiste vers l’abstraction totale, un choix qui donnera naissance plus tard à des peintures géométriques, interprétations par l’artiste des préceptes de la philosophie hindoue.

On voit la philosophie spirituelle de l’Inde à travers les œuvres de Sayed Haider Raza. Cette toile « Kundalani Pancha-Tavata, 2001 » représente l’éveil de l’énergie qui circule en tourbillon à la base de la colonne vertébrale par la pratique de l’ascétisme. La partie lumineuse du cercle suggère le mouvement ascendant. La plupart des œuvres de l’artiste sont emplies de symbolisme.

« Italian Village, 1953 » est l’une des œuvres de Sayed Haider Raza les plus connues. Elle célèbre le cubisme et le paysage austère d’un hameau italien. Elle est le résultat des études et des réflexions de faites par l’artiste sur les lignes et l’espace. Il donne alors une image collective des bâtiments qui semblent former un cluster cubiste.

« Haute Provence, 1961 » est une des peintures les plus emblématiques de Sayed Haider Raza. Elle illustre la capacité de l’artiste à créer des formes à travers la couleur. Il utilise des « v » à l’envers pour rappeler une toiture à pignon, des cylindres élancés pour évoquer les cheminées et des champs de couleurs alternatifs pour suggérer des murs.

Chez Sayed Haider Raza la peinture revêt une dimension spirituelle. Ses œuvres sont imprégnées des croyances indiennes. Cela explique en partie la profondeur et le mystère de ses réalisations, dont cette toile « Tapovan, 1972 ». En Inde, Tapovan est un haut lieu de méditation qui permettrait d’éprouver l’expérience d’un calme intérieur ouvrant la porte vers la compréhension des esquisses du concept de l’universel.

Sayed Haider Raza est l’un des plus grands noms de la peinture contemporaine et l’art abstrait. Et « Saurashtra, 1983 » constitue l’une de ses œuvres les plus ambitieuses. On peut voir à travers la taille et les traits expressifs de l’œuvre les couleurs brillantes de l’Inde. Le tout plongé dans un contexte profondément spirituel.

« Village en Fête, 1964 » est une toile magnifique de Sayed Haider Raza. Les couleurs vives choisies par l’artiste témoignent bien de l’influence qu’a la culture de son pays d’origine sur son expression artistique. Il puise son inspiration dans son pays. Il voit dans ce dernier la vivacité, le mouvement…

« La Terre, 1973 » est l’une des œuvres les plus connues de Saiyed Haider Raza. L’artiste l’a réalisée durant la période où il commençait à fusionner les souvenirs de son Inde natale et son travail abstrait à Paris. Les couleurs audacieuses montrent une tentative de capturer les couleurs et l’atmosphère uniques d’une nuit indienne.

Il est très commun pour un artiste de représenter le monde qui l’entoure tout en y puisant son inspiration. Le Pho ne fait pas exception et cette toile, « Les Hortensias » le prouve. Il y représente un petit amas d’hortensias où des jeunes filles se dandinent et s’amuse, durant une belle matinée.

Durant sa longue carrière, Le Pho a réalisé de nombreux portraits et « Le moment agréable (The quiet moment) est l’un des plus exceptionnels. Elle représente l’idée que se fait l’artiste d’un moment agréable : un moment en famille. Cette vision lui vient peut-être du sentiment que l’on ressent lorsque l’on vit loin de son pays natal.

Nativité (The Nativity), 1941, est l’une des plus belles peintures de Le Pho. Elle représente la sainte Marie et Jésus dans une étable, juste quelques instants après la naissance de ce dernier. On doit remarquer la grande maîtrise de l’artiste de la gouache sur soie ainsi que de l’importance qu’il accorde aux détails.

Durant sa vie, Le Pho a eu une grande préférence pour les portraits de femmes et d’enfants. Il a été même connu pour cela. « Family life, 1937-1939 » est une peinture représentant une mère consolant son enfant. Les lignes irréelles mises en avant par l’artiste vous transportent dans un monde imaginaire aux couleurs vives.

On connait surtout Le Pho pour ses portraits de femmes. La « Composition, 1973 » est l’un de ces portraits. Elle représente une femme assise dans un beau champ de tournesol. Les fleurs ont été particulièrement travaillées contrairement à la perspective, ce qui ajoute beaucoup d’imaginaire à cette scène que l’on peut considérer comme banale.

Le rideau mauve est un des nombreux portraits de renom réalisés par Le Pho. Cette peinture montre jouant avec ses cheveux derrière un fin rideau. Cette toile est comme une sorte d’hommage à sa culture natale. Le style général de l’œuvre est résolument asiatique : l’expression réfléchie, les coups de pinceau fins…

« La jeune fille aux pommes-cannelle, 1938 » est un beau portrait réalisé par Le Pho. Cette peinture représente une jeune fille asiatique cueillant des pommes-cannelle tout en portant un panier déjà bien rempli. On voit très bien à travers les traits de la femme, l’influence des techniques de peinture occidentale sur l’artiste.

Le Pho est un peintre vietnamien de renommée mondiale. Son style est un amalgame savant entre les modes de représentation extrême-orientaux et la modernité occidentale. « Le paysage du Tonkin, 1932-1934 » est une de ses plus belles œuvres. On y voit clairement son influence occidentale.

Le Pho est un maître de la peinture. Son style témoigne de sa double culture : asiatique et occidentale. « Le gâteau d’anniversaire, 1975 » est l’une des peintures les plus exceptionnelles de l’artiste. Elle montre une mère et son enfant partageant un gâteau d’anniversaire au milieu d’arbre aux feuilles jaunies.

Le Pho a passé une grande partie de sa vie à Paris. C’est là qu’il va connaitre un grand succès. Mais même loin de sa terre natale, l’artiste a souvent réalisé des toiles représentant cette dernière. View from the hilltop fait partie de ces toiles. On reconnait bien ici le style unique de l’artiste à travers ses dessins linéaires et cette volonté de créer une scène irréelle.

La « Peinture 92 x 65 cm, 1965 » est le résultat de nombreuses années de recherche. 1955 était précisément l’année où Pierre Soulages s’est mis à adopter des coups de pinceau plus amples, incisifs et contrastés. On est ici bien loin de la palette sombre que nous habituera l’artiste dans ses œuvres postérieures. On est plutôt dans des nuances harmonieuses.

« Peinture 46 x 38 cm, 14 mai 1961 » est une œuvre magistrale de Pierre Soulages. L’artiste l’a peinte au moment où il commence à avoir une reconnaissance internationale. Cette œuvre montre le grand travail de Soulages sur les oppositions : l’opposition du rouge et du noir, l’opposition des mouvements horizontaux et diagonaux.

Durant ses recherches en art plastique, bon nombre des œuvres de Pierre Soulages s’apparentaient à la de la calligraphie chinoise. Et on le voit bien sur cette œuvre : « Brou de Noix 65 x 50 cm 1952 ». Mais l’artiste dira que c’est plus la recherche de la trace du geste. Et effectivement, on peut voir à travers cette peinture les mouvements de la main les plus communs.

En raison de son amour profond pour le noir et blanc, on surnomme souvent Pierre Soulages de « peintre du noir et de la lumière ». Mais il faut rappeler que l’artiste ne s’intéressera vraiment au noir qu’à partir de 1979. Avant cette année son style se rapproche de celui d’Hans Hartung. Et le travail minutieux effectué sur les nuances de couleurs de la « peinture 130 x 89 cm, 8 septembre 1965 » le prouve.

La « Peinture, 21 novembre 1959 » est l’une des toiles les plus emblématiques de Pierre Soulages qui résume le développement significatif de ses techniques de peinture. L’importance de cette peinture se voit également à travers son parcours d’exposition très distingué : présentation à l’occasion de la Biennale VII de São Paulo (1963), exposition dans le Musée national d’art moderne de Paris (1967).

Pierre Soulages est l’un des plus grands noms de l’art abstrait. Il est surtout connu pour son amour du noir. Il utilisera exclusivement cette couleur pour réaliser bon nombre de ses œuvres à partir de 1979. Cette « Peinture 162 x 130 cm, 14 décembre 1958 », en avance sur son temps, en avance sur le style dominant de l’époque, sera l’une des œuvres qui feront la célébrité de l’artiste lors de son exposition personnelle à la Kootz Gallery, en 1959.

Abstraction, 1958 est une des œuvres les plus touchantes de Zao Wou-Ki parce que l’artiste l’a peinte durant une des périodes les plus marquantes de sa vie. En 1957, après un mariage de 16 ans, Zao et Lan-Lan divorcent. Déprimé, l’artiste créera l’une de ses œuvres les plus connues, Nous deux, 1957, pour exprimer son chagrin. Abstraction et Nous Deux présentent des similitudes fascinantes. Et pourtant, les sentiments qui y sont exprimés sont différents. Si l’on peut toujours sentir le chaos à travers la forte présente des teintes sombres dans Abstraction, l’ajout des 2 masses de couleurs vives et rouges qui s’harmonisent trahit l’émotion d’amour et de chaleur que ressent l’artiste. Cette émotion remonte à la romance de Zao avec l’actrice Chan May-Kan qui débuta en 1958.