Gustave Miklos est né en juin 1888 à Budapest et décédé en mars 1967 à Oyonnax à l’âge de 78 ans. Alors qu’il est encore enfant, on décèle chez lui un talent artistique et il est inscrit à l’École nationale royale hongroise des arts et métiers où il étudie sous la direction de László Kimnach. En 1909, Gustave Miklos se rend à Paris afin de poursuivre sa carrière et s’installe à la Ruche, une cité d’artistes bien connue dans la capitale. Il y rencontre Csaky, Léger, ainsi que d’autres grands noms de l’avant-garde parisienne. Malgré sa carrière qui est déjà lancée, Gustave Miklos continue d’étudier dans des ateliers afin d’enrichir son œuvre. L’artiste est d’ailleurs un sculpteur influent connu pour son apport au mouvement Art Déco.

Un sculpteur animalier

Après avoir peint pendant les premières années de sa carrière, Gustave Miklos s’arrête soudainement et s’oriente dès lors vers la sculpture. Sous l’influence de Doucet, l’artiste réalise essentiellement des sculptures en bronze d’animaux, ca qui lui permet de se forger une solide réputation de sculpteur animalier. Pour réaliser ses œuvres, il développe un procédé qui consiste à aborder la forme des animaux qu’il réalise de manière méthodologique et non figurative. Gustave Miklos utilise donc les plans, les volumes, les masses et les lignes pour mettre en valeur l’essence des animaux de manière élégante. Attentif à l’esthétisme de ses œuvres, il n’est pas rare qu’il réalise lui-même sa patine.

Une œuvre multiforme

En plus de ses sculptures qui l’ont rendu particulièrement célèbre, Gustave Miklos s’est également adonné à d’autres activités artistiques. En effet, il est à l’origine de nombreuses gravures ainsi que d’objets décoratifs comme des affiches, des timbres ou encore des écharpes pour lesquels il est moins connu. L’artiste a d’ailleurs pendant un temps embrassé une carrière d’illustrateur. Cette capacité à diversifier sa production artistique confirme le talent très tôt décelé chez Gustave Miklos. 

Œuvres de Gustave Miklos

SCULPTURE-VOLUME

• Sculpture lumineuse, 29,8 x 23,5 x 22,5 cm, 1924
• Femme à la coiffe oblique, 34 cm, 1924
• Deux bêtes affrontées, 23 x 37,7 x 13 cm, 1925
• Jeune fille à la fleur, 77,8 x 18 x 16,5 cm, 1926
• Femme voilée, 74,8 x 16,8 x 12,8 cm, 1926
• Jeune fille, 119 cm, 1927
• Tête, 66 x 22 x 27,5 cm, 1928
• Tête de Reine, 70 cm, 1929
• L’homme et son destin, 74 x 41,5 x 19 cm, 1929
• Tête de Gorgone, 94 x 90 cm, 1930
• Les fiancés, dit aussi le couple, 72 x 22 x 13 cm, 1937
• Tête avec écran, 45 x 10 x 14,5 cm, 1940

DESSIN-AQUARELLE

• Nu de face, mains jointes, 29 x 21 cm, 1910
• Femme cubiste, 29 x 21 cm, 1920
• Projet de sculpture, 25,5 x 12,5 cm, 1921
• Figure Abstraite, 150 x 53 cm, 1921/24
• Profil de femme, 22,5 x 17,5 cm, 1922
• Tête cubiste, 27 x 12 cm, 1922
• Projet d’ornementation, 17 x 16,5 cm, 1923
• Masque, 23,5 x 13,5 cm, 1924
• Totem, 230 x 47,5 cm, 1925
• Femme baoulé de profil, 47 x 38 cm, 1925
• Promeneurs, 28 x 18 cm, 1930
• Portrait de Madame Miklos, 31 x 21 cm, 1943
• Madame Miklos dans l’atelier de son mari, 29,3 x 19,5 cm, 1943
• L’homme et la montagne, 27 x 19 cm, 1958
  

PEINTURE

• Portrait de la sœur de l’artiste, 92,5 x 73,5 cm, 1913
• Femme cubiste, 61 x 46 cm, 1913-1914
• Portrait de jeune femme, 61 x 50 cm, 1914
• Élégantes au carton à chapeau, 93 x 73 cm, 1919-1923
• Décor géométrique polychrome, 30 x 27 cm, 1921
• Adam, 244 x 150 cm, 1926
• L’indigène, 26,5 x 21 cm, 1928
• Biche dans un sous-bois, 100 x 140 cm, 1942
• L’arbre de l’espérance, 33 x 28 cm, 1943
• Oiseau à la cascade, 26,5 x 20,5 cm, 1950/60

Gustave Miklos, un artiste influent

EXPOSITIONS

• Exposition Internationale des arts industriels et décoratifs modernes, 1925
• Galerie de la Renaissance, 1928
• Gustave Miklos, La quête du beau et de l’harmonie, musée du Peigne et de la Plasturgie, Oyonnax, 2014-2015
• Gustave Miklos- Le moderniste byzantin. Sculptures, Arts décoratifs, Peinture, Paris, Galerie Fata Libelli, 2014

MUSÉES

• La Piscine, Musée d’art et d’industrie, Roubaix
• Musée Royal de Brou, Bourg-en-Bresse
• Musée du Peigne et de la Plasturgie, Oyonnax
• Musée d’art moderne, Hyogo

FONDATIONS

• Barnes Foundation
• Fondation Septentrion

Les principales publications sur Gustave Miklos

• Jacques Renoux, Gustave Miklos dans l’ombre de l’atelier Schmied, Le Magazine du bibliophile, 2013
• Miklos, Le Cahier secret de Gustave Miklos, Fata Libelli, 2013
• Lynne Thorton, Jean Dunand & his friend, in Apollo, Nr XX, 1973
• Luc Benoist, Gustave Miklos, sculpteur, Art et Décoration, 1931
• Félix Marcilhac, Gustave Miklos, Joseph Csaky, Kalman Maklary Fine Arts, 2010
• L’après Miklos. Une rétrospective pleine d’enseignements, La Voix de l’Ain, 1984
• Entretien avec G. Miklos, peintre et sculpteur, Le Dauphiné Libéré, 1966
• F. Calot, L.M .Michon, P.J.Angoulvent, L’Art du livre en France des origines à nos jours, Paris,  Delagrave, 1931

Expertise et Estimation des œuvres de Gustave Miklos

Certaines œuvres de Gustave Miklos sont très demandées sur le marché de l’art et peuvent se vendre à des prix importants. N’hésitez pas à contacter nos experts dans le cadre d’une expertise ou à consulter notre page dédiée à la cote des œuvres de Gustave Miklos afin d’établir une estimation de votre pièce.

Méconnu du grand public, Ferdinand Barbedienne joua pourtant un rôle essentiel dans l’histoire de l’art du XIX^e siècle. L’industriel français fut en effet à l’origine de l’une des plus grandes fonderies d’art aux côtés des fonderies Susse et Hébrard.

Industriel dans l’âme

D’origine modeste, Ferdinand Barbedienne est né en Normandie à Saint-Martin-de-Fresnay en 1810. Il fit fortune pour la première fois dans une affaire de papiers peints située à Paris.

En parallèle, un jeune ingénieur, Achille Collas (1795-1859), mit au point un procédé mécanique de réduction des sculptures en ronde-bosse, en améliorant notamment le pantographe  des sculpteurs— instrument de dessin permettant de reproduire un motif à l’échelle exacte —. Collas déposa le brevet de son invention en 1837.

1838 : l’association fructueuse entre un industriel et un inventeur

L’association entre Barbedienne et Collas eut lieu en 1838. La société Collas & Barbedienne se voua à la reproduction et à la commercialisation de copies réduites de sculptures dans divers matériaux (albâtre, bois, bronze, ivoire, stéatite). Grâce au procédé révolutionnaire de réduction mathématique élaboré par Achille Collas, les associés ouvrirent les portes à une production sans précédent.

Barbedienne et Collas se spécialisèrent dans les reproductions d’après l’antique tout en élaborant de nouveaux procédés chimiques destinés à colorer et à patiner les bronzes. Les associés eurent ainsi pour ambition de démocratiser l’art en réalisant de nombreuses copies d’antiques et en diffusant des œuvres contemporaines.

Ensemble ils présentèrent une réduction de la Vénus de Milo (150-130 a. v. J. C.) à l’Exposition des produits de l’industrie française de 1839. Leur travail fut salué par l’obtention d’une médaille d’argent.

Les années 1840 : les contrats d’édition

S’il s’intéressa aux antiques, Ferdinand Barbedienne alla plus loin encore. En effet, il conclut des contrats d’édition avec de nombreux sculpteurs contemporains. Parmi eux figurèrent François Rude (1784-1855), les sculpteurs animaliers Antoine-Louis Barye (1795-1875) et Emmanuel Frémiet (1824-1910) ainsi que Jules Mène (1810-1879) et Henri Chapu (1833-1891).

Par le biais de ces contrats d’édition, le sculpteur cédait ses droits au fondeur, lequel exécuta des éditions d’œuvres originales limitées. Notons qu’en France, depuis 1981, les éditions sont considérées comme originales dans la limite de huit tirages issus du même moule auxquels s’ajoutent quatre épreuves d’artiste.

Par la suite, Barbedienne et Collas perfectionnèrent leur procédé de reproduction afin de copier une sculpture d’un seul bloc. Cette nouvelle innovation leur valut une médaille d’argent à l’Exposition des produits de l’industrie française de 1844.

Les années 1850 : vers la production d’objets décoratifs

En 1955, Achille Collas reçut la grande médaille d’honneur à l’Exposition universelle de Paris. La même année, Barbedienne collabora avec l’ornemaniste Louis-Constant Sévin (1821-1888).

Le sculpteur ornemaniste travailla pour Barbedienne jusqu’à la fin de sa vie. Il renouvela notamment les formes d’objets du quotidien, les transformant en véritables objets d’art. Les œuvres de Sévin illustrent le style néo-grec en vogue à l’époque.

Les années 1860 : la mort d’Achille Collas

En 1859, la mort de l’ingénieur Achille Collas fit de Barbedienne le seul propriétaire de la fonderie. La qualité de sa production fut récompensée par la nomination du fondeur à la tête du Comité des industries du bronze en 1865.

Barbedienne collabora avec l’émailleur Alfred Serre (1837-1906) lequel développa une gamme d’émaux cloisonnés qui firent sensation à l’Exposition universelle de Londres en 1862.

Les années 1870 : la guerre franco-allemande

Le conflit entre la France et l’Allemagne en 1870 entraina une pénurie des métaux bruts provoquant la suspension de l’activité de fondeur de Barbedienne.

Ferdinand Barbedienne reprit son activité à la fin du conflit et augmenta ses productions. Avec Alfred Serre il réalisa entre 1878 et 1889 l’Horloge monumentale de style Renaissance ornée d’émaux qui est aujourd’hui conservée à l’Hôtel de Ville de Paris.

1892 : la maison Leblanc-Barbedienne

À la mort de Ferdinand Barbedienne en 1892, son héritier Gustave Leblanc-Barbedienne (1849-1945) reprit la fonderie qui devint alors la maison Leblanc-Barbedienne. Spécialisée dans les sculptures monumentales la fonderie resta active jusqu’à la moitié du XXe siècle. La maison collabora notamment avec le très célèbre Auguste Rodin (1840-1917).

L’apport de Ferdinand Barbedienne à l’histoire de l’art

Bien que n’étant pas un artiste, Ferdinand Barbedienne renouvela le domaine de la sculpture. En effet, grâce à son association avec l’ingénieur Achille Collas qui mit au point le procédé révolutionnaire de réduction des sculptures, il stimula la diffusion des œuvres antiques et contemporaines. Spécialisée dans les éditions de sculptures et d’objets d’art, la maison Barbedienne atteignit rapidement une grande renommée et associa son nom à celui de grands artistes (Sévin, Serre, Dumas).

Les musées qui exposent Ferdinand Barbedienne

La maison Barbedienne collabora avec plus de 45 sculpteurs tandis qu’à la fin des années 1880 son catalogue proposait près de 500 sujets déclinés en plusieurs dimensions. Par conséquent, les sculptures issues des fontes Barbedienne sont très nombreuses et sont exposées dans les plus grands musées nationaux et internationaux.

Les principales expositions de l’artiste

À ce jour, il semblerait qu’aucune exposition d’ampleur rassemblant les œuvres issues de la fonderie Barbedienne n’ait eu lieu.

Les principaux ouvrages sur Ferdinand Barbedienne

• RIONNET Florence, Les Bronzes Barbedienne : l’œuvre d’une dynastie de fondeurs (1834-1954), éd. Athena, 2016
• RIONNET Florence, La Maison Barbedienne. Correspondances d’artistes, 2008
• RIONNET Florence, Barbedienne ou la fortune de la sculpture du XIXe siècle, Bulletin de la Société de l’Histoire de l’Art français, 2002

N’hésitez pas à consulter notre page dédiée aux prix de vente de Ferdinand Barbedienne pour en savoir plus sur sa cote.

Sculpteur de la scène contemporaine, César fait partie du mouvement des Nouveaux Réalistes né en 1961. Son œuvre, unique en son genre, se distingue par l’usage de la technique de compression industrielle. César a reproduit cette technique à échelle moindre en élaborant le trophée de la cérémonie des César du cinéma français, sorte de presse-papier.

Une enfance populaire à Marseille

Issu d’un milieu modeste César est né dans le quartier populaire de la Belle-de-Mai à Marseille en 1921 de parents italiens originaires de Toscane. Durant son enfance le jeune garçon s’adonna au dessin et fabriquait des carrioles en boîtes de conserve.

César quitta l’école à l’âge de douze ans afin d’aider son père propriétaire d’un commerce de vins. C’est à l’âge de quinze ans, en 1935, qu’il s’inscrivit à l’École des Beaux-Arts de Marseille. En 1937, le travail de César fut récompensé par l’obtention de trois prix en gravure, dessin et architecture. Suivant les cours du soir de dessin dans un premier temps, le jeune homme s’intéressa par la suite à la sculpture.

Grâce à une bourse d’études obtenue en 1942, César rejoignit Paris où il fut admis à l’École des Beaux-Arts l’année suivante. Il suivit l’enseignement du sculpteur Marcel Gimond (1894-1961) aux côtés de Michel Guino (1926-2013), Eugène Dodeigne (1923-2015) et Philippe Hiquily (1925-2013).

César retourna à Marseille en 1945 afin d’épouser Maria Astruc. De retour à Paris en 1946 il occupa un atelier dans un ancien bordel rue de l’Échaudé.

Les années 1940 : la naissance d’un sculpteur unique

À Paris, César fit la connaissance du peintre Pablo Picasso (1881-1973) et de la sculptrice Germaine Richier (1902-1959). À cette époque il habita le même immeuble qu’Alberto Giacometti (1901-1966). Ces trois artistes exercèrent une influence déterminante sur les œuvres de jeunesse de César.

S’il travailla le plâtre à ses débuts, César se tourna rapidement vers des matériaux de récupération peu coûteux par souci d’économie. Toutefois, l’artiste découvrit très vite que la ferraille lui permettait d’exprimer au mieux sa puissance créative.

Les années 1950 : les Compressions

Les recherches audacieuses de César ont abouti à la création des premières « compressions » de carrosseries automobiles. C’est en 1958 que César assembla ses premières tôles déformées suite à la découverte d’une presse hydraulique chez le ferrailleur où il avait pris l’habitude de se fournir pour la réalisation de ses sculptures soudées.

À partir de 1959, César centra son travail sur la compression dirigée selon laquelle l’artiste compressa des objets sous forme de parallélépipèdes, d’abord de petits formats puis des voitures entières. Ces compressions firent scandale au Salon de Mai de 1960.

Les années 1960 : les Expansions et les Empreintes humaines

César adhéra au mouvement des Nouveaux Réalistes fondé en 1961 par le critique d’art Pierre Restany (1930-2003) aux côtés d’Arman (1928-2005), de Jean Tinguely (1925-1991) et de Niki de Saint Phalle (1930-2002) notamment.

À partir de 1965, César réalisa ses premières « expansions » de polyuréthane. Cette technique consistait à étaler de la résine liquide à l’horizontale, laquelle se gonflait et se plissait dans des proportions étonnantes. Ces œuvres furent présentées au Salon de Mai de 1967.

C’est également en 1965 que César réalisa l’une de ses œuvres les plus connues : son Pouce. Cette sculpture agrandie est une empreinte de son propre pouce. L’œuvre en bronze fut reproduite à l’occasion des Jeux Olympiques de Séoul en 1988.

Les années 1980 : les Fers

César s’intéressa à la soudure dès 1949. Il exécuta des sculptures en fer soudé tout au long de sa carrière. Son œuvre la plus représentative est certainement son Centaure (1983-1985) haut de près de cinq mètres,  réalisé en hommage à Pablo Picasso.

L’apport de César à l’histoire de l’art

César est l’un des principaux représentants du Nouveau Réalisme. Les artistes adhérents à ce mouvement proposent une œuvre représentant le monde du réel et de l’urbain tel qu’il est. Les objets sont alors détournés vers un usage esthétique.

Par le biais de ses Compressions, Expansions et Empreintes humaines, César remit en question les canons esthétiques de la sculpture traditionnelle. Les matériaux utilisés (fer, déchets, polyuréthane) permirent à l’artiste de livrer de manière brute toute son expression créative. À travers ses compressions, César eut notamment pour ambition de remettre en cause la société de consommation.

César fut un artiste reconnu de son vivant. Bien que snobé par le milieu de l’art il multiplia les expositions jusqu’à sa grande rétrospective organisée en 1997 peu de temps avant son décès.

Les musées qui exposent César

Les œuvres de César sont principalement exposées en France au Centre Pompidou ainsi qu’au Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris.

L’artiste a également réalisé de nombreuses œuvres qui ornent l’espace public : Le Pouce à l’Esplanade de la Défense, Le Centaure sur la place de la Croix-Rouge ou encore Le Patineur sur la place Tolozan de Lyon.

Les principales expositions de l’artiste

• César, la rétrospective, Centre Pompidou, Paris, 2017
• César, une histoire méditerranéenne, Musée Mohammed VI d’art moderne et contemporain, Rabat, 2015
• César à Marseille, Musée Cantini, Marseille, 2014
• César, Anthologie par Jean Nouvel, Fondation Cartier pour l’art contemporain, Paris, 2008
• César, rétrospective, Jeu de Paume, Paris, 1997

Les principaux ouvrages sur César

• BLISTENE Bernard, César, éd. Centre Pompidou, 2017
• BOUCHET Renaud, Les fers de César, éd. Presses Universitaires de Rennes, 2016
• ALBOU Jean et PERLEIN Gilbert, César, l’instinct du fer, éd. Musées de Nice, 2002
• DURAND-RUEL Denise, César, 1947-1964, éd. La Différence, 1994

Expertise et Estimation des œuvres de César

Certaines œuvres de César sont très demandées sur le marché de l’art et peuvent se vendre à des prix importants. N’hésitez pas à contacter nos experts dans le cadre d’une expertise ou à consulter notre page dédiée à la cote des œuvres de César afin d’établir une estimation de votre pièce.

Albert Cheuret est né en 1884 à Paris et décédé dans la même ville à l’âge de 82 ans. Après avoir été formé à la sculpture par Jacques Perrin et Georges Lemaire, le jeune homme s’établit à l’avenue Franco-Russe et il y crée son propre studio. Lorsqu’en 1908 il reçoit le premier Prix du Concours de Sculpture Ornementale organisé par la Réunion des fabricants de bronze, Albert Cheuret commence à se faire connaître et reçoit de plus en plus de commandes dont un grand nombre de sculptures commémoratives comme le monument aux morts de Saint-Satur (Cher, 1921).

Un sculpteur bestiaire

Connu avant tout pour ses luminaires, Albert Cheuret a consacré l’ensemble de son œuvre à la mise en avant de sujets animaliers. C’est en grande partie son aptitude à pouvoir adapter ce thème à plusieurs types de supports qui a fait sa renommée. En effet, l’artiste appose très souvent à ses créations des formes animales comme des cigognes ou encore des hiboux, ce qui rend son œuvre particulièrement reconnaissable. Ses figures de prédilection sont les oiseaux (hérons, rapaces, etc.). Une des œuvres les plus célèbres du sculpteur, le lustre Oiseau de Paradis qu’il a exposé en 1924, a profondément marqué son héritage. La découverte de la sépulture de Toutankhamon est un autre élément qui lui a permis d’enrichir son iconographie.

La rencontre de plusieurs styles

Bien que les inspirations bestiaires présentes dans ses œuvres expliquent en grande partie leur originalité, la seconde spécificité du travail d’ Albert Cheuret réside dans sa capacité à combiner ce style naturaliste à d’autres influences. En effet, on observe tantôt des éléments faisant écho à l’Art Déco, tantôt des éléments tendant vers une plus grande abstraction voire une géométrisation des formes. Pour renforcer cette sorte d’ambivalence dans son travail, Albert Cheuret n’hésite pas à associer des matériaux traditionnels à des matériaux plus exotiques. Le bronze et l’albâtre sont d’ailleurs ses deux matériaux de prédilection qui, lorsqu’ils sont associés, laisse présager qu’il s’agit probablement d’une de ses œuvres.

Œuvres d’Albert Cheuret

LUMINAIRE

• Lampe de table Fougère, 53,5 cm, 1920
• Lampe Torchère, 181,6 cm, 1925
• Applique Argus, 104 x 75 cm, 1925 
• Chandelier Cigognes, 88,9 x 88,9 cm, 1925
• Chandelier Cigognes, 81,2 x 88,9 cm, 1925
• Chandelier Ibis, 86,5 x 89 cm, 1925
• Applique L’oiseau lyre, 94 x 65 cm, 1925
• Applique Cactus, 44,5 x 40,6 cm, 1925
• Lampe Aloes, 64,8 x 82,5 cm, 1925
• Lampe Tulipe, 37,5 cm, 1925
• Chandelier Corbeille de roses, 96,4 x 55,9 cm, 1925
• Applique murale Héron, 89,3 x 69 x 39,5 cm, 1925
• Lampe Aloes, 77 x 45,5 x 45,5 cm, 1925/30

OBJET 

• Miroir de table, 36,2 cm, 1920
• Pendule, 16,5 x 37,5 cm, 1925
• Miroir éclairant, 54, 5 x 93,5 cm, 1925
• Horloge de cheminée, 16,5 x 43,1 x 8,8 cm, 1925
• Horloge de cheminée L’Égyptienne, 15 x 42,5 x 9,5 cm, 1925
• Miroir Hibou, 67,3 x 60,9 cm, 1925
• Miroir Cigogne, 55,9 x 93,4 x 20,3 cm, 1925
• Console au boa, 180 x 50,5 x 25,5 cm, 1925/33
• Console Héron, 98,5 x 158,5 x 35,5 cm, 1925
• Console Hibou, 202,5 x 60 x 34 cm, 1925
• Chenets aux cobras, 63,5 x 22,8 x 46,5 cm, 1926
• Vase ovoïde à deux anses Cerise et fleurs, 29 x 42 cm
• Pendule à corps trapézoïdal, 16,5 x 43,4 cm
• Miroir de table double-face à monture en éventail, 37 x 59 cm
• Vase de forme ovoïde à gradins, 21 x 11,3 cm

SCULPTURE

• Pélican, 1925
• Chouette, 44 cm, 1925
• Monument aux morts de la ville de Cannes, 93 cm

Albert Cheuret, un artiste souvent exposé dans les galeries parisiennes 

EXPOSITIONS

• Exposition Internationale des Arts Décoratifs, Paris, 1925
• Animal, Itinéraire Saint-Germain, 2021

MUSÉE 

• Centre national d’art et de culture Georges-Pompidou (CNAC), Paris

GALERIES

• Galerie Marcilhac, Paris
• Galerie Jacques Lacoste, Paris
• Galerie Jacques Barrère, Paris
• Galerie Chenel, Paris
• Galerie Xavier Eeckhout, Paris
• Galerie Jacques Lacoste, Paris
• Galerie Lucas Ratton, Paris

Ouvrage sur Albert Cheuret

• Catalogue d’Exposition, Lumières, Musée Beaubourg, Centre Georges Pompidou, mai 1985, Éd. Hermé, 1985, modèle reproduit p.149 n° 197

Expertise et Estimation des œuvres d’Albert Cheuret

Certaines œuvres d’Albert Cheuret sont très demandées sur le marché de l’art et peuvent se vendre à des prix importants. N’hésitez pas à contacter nos experts dans le cadre d’une expertise ou à consulter notre page dédiée à la cote des œuvres d’Albert Cheuret afin d’établir une estimation de votre pièce.

Hans Coper est né en avril 1920 en Allemagne et décédé en juin 1981 à l’âge de 61 ans. Après avoir été emprisonné au Canada pendant la Seconde Guerre mondiale du fait de sa nationalité allemande, il s’intéresse pour la première fois à la céramique et intègre en 1946 le cabinet de Lucie Rie où il se forme à cette pratique. Lorsque son talent émerge, Hans Coper rejoint Heber Matthews afin de poursuivre son enseignement à ses côtés. Il établit ensuite son propre studio dans le Hertfordshire en 1958. L’artiste se fait connaître très rapidement et deviendra même une figure incontournable de la poterie d’atelier au XXe siècle.

Découverte d’une poterie abstraite

À une époque où les potiers produisent essentiellement des œuvres fonctionnelles, Hans Coper vient révolutionner le marché en prêtant attention davantage à la qualité sculpturale de ses réalisations. D’ailleurs, bien que son œuvre ait très largement été influencée par le travail de Lucie Rie qui a été son mentor, cette dernière fera elle-même la différence entre ses poteries et celles de Coper qu’elle qualifie d’œuvre d’art. Bien loin des traditionnels plateaux, ses formes simples et abstraites sont le fruit de la sollicitation de sa sensibilité artistique. Les céramiques non fonctionnelles de Hans Coper ont été très appréciées pour leur dimension avant-gardiste.

Un procédé qui lui est propre

Dès ses débuts, Hans Coper a tenu à expérimenter ses propres céramiques, ce qui explique que son travail soit si reconnaissable. Pour s’assurer de la qualité de son travail, il réalise d’abord ses différentes pièces sur le potier avant de les assembler à la main pour obtenir la forme finie. Cette manière de procéder révèle le soin et l’habilité que met Coper à réaliser ses œuvres. Un autre élément distinctif de ses pots est leur forme reconnaissable en un coup d’œil : il les nomme Flower, Spade, Cup, Egg, Bud, Arrow et Bud. Le rendu obtenu par Hans Coper est en général assez grossier et réalisé avec des oxydes ce qui permet d’obtenir une coloration assez discrète.

Œuvres de Hans Coper 

OBJET

• Globular pot with linear design, 25,4 x 26 cm, 1954
• “Poppy Head” pot, 20,8 x 14 cm, 1957
• The Swinton School Wall, 60 cm, 1960
• Digswell composite form with flattened central volume, 26,8 x 14,5 cm, 1960
• Early and large “Hourglass” form, 46 x 21 cm, 1965
• “Spade” form, 23,6 cm, 1969
• Large “Bell” forl, 33,2 x 34,5 cm, 1966
• Monumental ovoid pot, 46,5 x 38,5 x 38 cm, 1968
• Gobelet form with vertical impressions, 40,3 cm, 1968
• Composite Form with Vertical Impression, 30,5 x 21,5 x 21,5 cm, 1969
• Rare evolved “Spade” form, 17,3 cm, 1970
• “Cycladic” arow form, 22 cm, 1972
• Ovoid pot with disc top, 24 cm, 1972
• “Sack” form with disc, 24 x 16,1 cm, 1972
• Monumental « Writhlington School » pot, 77 cm, 1972
• “Thistle” form, 32 cm, 1975
• Cycladic arrow form, 26,5 cm, 1975
• Pot with four indents and cylindrical foot, 25 cm, 1975
• Cycladic Winged Bud Form, 24 x 9,5 x 10,5 cm, 1976

SCULPTURE-VOLUME

• Early composite form, 16,1 x 9,1 cm, 1950
• Composite form, 13,3 x 11,8 cm, 1952
• Large Spade Form, 40 cm, 1960
• Cup on foot with central disc, 1965
• Cycladic arrow form, 29,5 cm, 1970
• Cycladic arrow form, 23,5 cm, 1970
• Squeezed form Vase with four Indents, 17 cm, 1970/75
• Spade form, 21 cm, 1972
• Composition form with vertical central disc, 26,5 x 15,6 x 7,5 cm, 1974
• Cyladic bud form with wings, 17,1 cm, 1975
• A superlative black Cyladic form, 24 cm, 1976
• Cycladic winged bud form, 24 cm, 1976
• Black cycladic form, 23 cm, 1977

Hans Coper et son œuvre prolifique

EXPOSITIONS

• Salon international de la céramique, Tokyo, Japon, 1964
• Hans Coper et Peter Collingwood, Victoria & Albert Museum, Londres, Paris, 1969
• Exposition du soixantième anniversaire, Musée Hetjens, Düsseldorf, Allemagne, 1980
• Exposition personnelle, Galerie Besson, Londres, Royaume-Uni, 1988
• Modernisme céramique, Hans Coper, Lucie Rie et leur héritage, Gardiner Museum of Ceramic Art, Toronto, Canada, 2002
• L’héritage de l’art céramique moderne, Gifu, Japon, 2003
• Lucie Rie & Hans Coper, Galerie Besson, Londres, Royaume-Uni, 2006
• Céramiques classiques et contemporaines, Galerie Besson, Londres, Royaume-Uni, 2009
• International Ceramics, Erskine, Hall & Coe, Londres, Royaume-Uni, 2016
• Hans Cooper 100, Ashmolean Museum of Art and Archeology, Oxford, 2021

MUSÉES

• Musée préfectoral de la céramique d’Aichi, Aichi, Japon
• Craft Council Collection, Londres, Royaume-Uni
• Institut des Arts, Détroit, États-Unis
• Metropolitan Museum of Art, New York, États-Unis
• Musée d’Art Moderne, New York, États-Unis
• Musée d’art de la céramique moderne, Gifu, Japon
• Musée Kunstgewerbe, Zurich, Suisse
• Kruithuis s’Hertoogenbosch, Pays-Bas
• Musée Boijmans van Beuningen, Rotterdam, Pays-Bas
• Musée Röhss, Suède

Les principaux ouvrages sur Hans Coper

• Birks, Tony, Hans Coper, Martson House Publishers, 1998
• Coatts, Morgot (éd.). Lucie Rie et Hans Coper : Potiers en parallèle, Herbert Press, 1997
• Frankel, Cyrille. Pots modernes : Hans Coper, Lucie Rie et leurs contemporains, University of East Anglia Press, 2002

Expertise et Estimation des œuvres de Hans Coper

Certaines œuvres de Hans Coper sont très demandées sur le marché de l’art et peuvent se vendre à des prix importants. N’hésitez pas à contacter nos experts dans le cadre d’une expertise ou à consulter notre page dédiée à la cote des œuvres de Hans Coper afin d’établir une estimation de votre pièce.

Rembrandt Bugatti est né en octobre 1884 à Milan et décédé en janvier 1916 à Paris, à l’âge de 31 ans. Fils du décorateur et architecte Carlo Bugatti, Rembrandt est initié à la sculpture dès son plus jeune âge par Giovanni Segantini, ami de la famille. Lorsqu’il signe son contrat d’exclusivité avec Adrien A. Hébrard en 1904, sa carrière artistique commence. La même année, Rembrandt Bugatti expose pour la première fois son travail au Salon des Beaux-Arts où Rodin le remarque. Malgré sa très courte carrière (il se suicide à l’âge de 30 ans), Rembrandt Bugatti reste encore aujourd’hui un sculpteur très apprécié.

Rembrandt Bugatti, le sculpteur de bestiaires

Rembrandt Bugatti a toujours été passionné par les bestiaires. En effet, à l’âge de 14 ans déjà, il réalisait sa première sculpture représentant un paysan conduisant trois vaches. À l’époque, il s’inspire très largement des animaux sauvages qu’il observe à la Ménagerie du Jardin des Plantes, située non loin de chez lui. Quelques années plus tard, Rembrandt Bugatti décide de s’installer en Belgique et d’y découvrir le zoo d’Anvers. L’artiste trouvera en ce lieu une nouvelle source d’inspiration quasi inépuisable, un endroit où il peut observer les animaux longuement et capturer dans le plâtre leur essence. Ses œuvres sont marquées par cette capacité à communier avec le monde animal.

Une technique particulière

Rembrandt Bugatti se distingue des autres sculpteurs de bestiaires grâce au très grand réalisme de ses œuvres. Il modèle ses sujets sans avoir réalisé d’esquisse ou pris de quelconque mesures au préalable. On peut d’ailleurs observer sur chacune des sculptures des traces de doigt ou d’outils qui renforce l’impression de mouvement et de de vitalité qui se dégage de l’animal qui est sculpté. Rembrandt Bugatti réalise plusieurs modèles uniques et en bronze, son matériau de prédilection, qui seront particulièrement appréciés par les amateurs d’art.  Au cours de sa carrière, il produit également des pièces en collaboration avec Hébrard et Palazzolo réalisées avec la technique de la cire perdue, véritable gage de qualité pour les connaisseurs.

Une importante notoriété

Dès son plus jeune âge, Rembrandt Bugatti était déjà qualifié de véritable génie par ses pairs. Sa réputation le précède et en 1903, le journal Le Temps se propose pour promouvoir ses futures expositions. L’exécution quasi parfaite de ses patines entraine l’édition d’un grand nombre d’œuvres de l’artiste. Rembrandt Bugatti marque ainsi durablement l’univers de la sculpture animalière.

Œuvres réalisées par Rembrandt Bugatti

 

SCULPTURE

• Hippopotame bâillant, 36 cm, 1905
• Dix minutes de repos ou Le grand fardier, 40 x 260 cm, 1905
• Deux girafes, 60 cm, 1906
• Jaguar accroupi, grand modèle, 29 x 47,5 x 28,7, 1907
• Le Grand Fourmilier, 34,5 x 47,5 x 21,5 cm x 1909
• Babouin Sacré Hamadryas, 43,8 x 45,1 x 17,8 cm, c.1909/10
• Lion et Lionne de Nubie, 128,5 cm, 1909/10
• Lionne d’Afrique, 70 cm, 1910
• Grande girafe tête basse, 65 cm, 1910/34
• Deux éléphants, l’un derrière l’autre, 29 x 70 x 14, 1912
• Grand tigre royal, 71,7 cm, 1913
• Panthère à l’affut, 29,5 x 64 x 15 cm, 1913/14

DESSIN-AQUARELLE

• Autoportrait de profil, 29,5 x 21,5 cm, 1905
• Étude de dromadaire, 36,5 x 57 cm
• Lionne couchée, 32 x 64 cm
• Autoportrait à la pipe, 40,5 x 28 cm
• Étude d’athlète, 19 x 12,5 cm
• Portrait de Carlo Bugatti, 34,5 x 28 cm
• Cheval attelé, 13 x 22 cm
• Aigle sur une branche, regardant à droite, 24 x 21,1 cm
• L’attelage (Le fardier), 13 x 22 cm
• Petit berger et études de moutons, 18 x 15 cm
• Étude de bœuf, 22 x 29 cm
• Enfant de bout de profil, 28 x 20 cm
• Étude d’homme marchant, 7 x 11 cm

Des œuvres présentes dans de nombreux pays

EXPOSITIONS

• Salon des peintres divisionnistes italiens, Galerie A. Grubicy, Paris, 1907
• Rembrandt Bugatti, sculpteur, Galerie A.-A Hébrard, Paris, 1907
• VIII Esposizione Internazionale d’Arte della Città di Venezia, Biennale de Venise, Venise, Italie, 1909
• Rembrandt Bugatti, Galerie A.-A Hébrard, Paris, 1911
• Rétrospective de Rembrandt Bugatti par Philipp Demandt Preface, Alte Nationalgalerie, Berlin, Allemagne

MUSÉES

• Musée des Beaux-Arts, Rennes, France
• Musée d’Orsay, Paris
• Musée Olympique, Lausanne, Suisse
• Musée cantonale des Beaux-Arts, Lausanne, Suisse
• Musée d’art moderne et contemporain, Strasbourg
• Legion of Honor, The Fine Arts Museum of San Francisco, California, États-Unis
• KMDA Société Royale de Zoologie d’Anvers, Belgique
• Galleria nazionale d’arte moderna e contemporanea di Roma, Italie
• Wildlife Museum of Art, Jackson Hole, États-Unis
• Alte Nationalgalerie, Berlin, Allemagne
• Museum Gustave Kestner, Hannovre, Allemagne
• Musée animalier Georges Poulain, Vernon, France

Les principaux livres/publications sur Rembrandt Bugatti

• Vittore Rossi-Sachetti, L’œuvre de Rembrandt Bugatti-Carlo Bugatti et son art, éd. A.A. Hébrard, 1907
• Marcel Rossi-Sachetti, Rembrandt Bugatti, éd. Société Royale de Zoologie, 1955
• Mary Harvey, The Bronzes of Rembrandt Bugatti, an illustrated catalogue and biography, éd. Palaquin Publishing, 1979
• Nicole Cournot, « Chez Alain Delon – Une maison suspendue au-dessus des toits », Maison et Jardin n° 257/octobre 1979, p. 116 à 185
• Chalom des Cordes et V. Fromanger, Rembrandt Bugatti, Catalogue raisonné, éd. De l’Armateur, 1987
• Patrice de Méritens, L’Adieu à Bugatti, roman, Albin Michel, 2000
• Edward Horswell, Rembrandt Bugatti, life in sculpture, Sladmore Editions, 2004 et 2016
• Véronique Fromanger, Rembrandt Bugatti Sculpteur — Répertoire monographique — Une trajectoire foudroyante, éd. De l’Amateur/des Arènes, 2010 et 2016
• Philipp Demandt et Anke Daemgen, Rembrandt Bugatti, Der Bildhauer, 1884-1916, Hirmer Verlag, 2014
• Véronique Fromanger, Rembrandt Bugatti Sculpteur – Répertoire monographique – A meteoric Rise, éd. De l’Amateur/des Arènes, 2016
• Edgardo Franzosini, Questa vita tuttavia mi pesa molto, roman Adelphi 2015

Expertise et Estimation des œuvres de Rembrandt Bugatti

Certaines œuvres de Rembrandt Bugatti sont très demandées sur le marché de l’art et peuvent se vendre à des prix importants. N’hésitez pas à contacter nos experts dans le cadre d’une expertise ou à consulter notre page dédiée à la cote des bronzes de Rembrandt Bugatti afin d’établir une estimation de votre pièce.

Céramiste Danois de renom, Axel Salto est né le 17 novembre 1889 à Copenhague. Ses créations en grès sont inspirées de fruits et de végétaux et ont marqué un tournant à cette époque. Son succès repose notamment dans la représentation de signes iconiques puis organiques. Autant d’éléments ayant rendu l’oeuvre de l’artiste incontournable.

Donner naissance au germe artistique

Axel Salto est un des artistes danois les plus reconnus de son époque. Très tôt, il se consacre aux arts. Formé tout d’abord à la gravure du bois, il s’orientera ensuite vers la peinture pour enfin sublimer le monde de la céramique. Il voyage entre Danemark et France, et va notamment s’essayer aux arts graphiques, à la peinture, à la poésie. Néanmoins ce céramiste danois montre une appétence grandissante dans la recherche de la matière. Il va pour cela rejoindre, au début du XXeme siècle, l’atelier de M. Carla Halier et découvrir l’art de la céramique.

Une inspiration basée sur la nature

Au cours de sa carrière, Salto s’inspire de la nature environnante. Il existe pour lui une forme de renouvellement perpétuel, un renouvellement qu’il veut transmettre au travers de ses oeuvres. Pour cela, l’artiste se familiarise avec les matières et les techniques de la céramique jusqu’à en maîtriser parfaitement les procédés. Il va puiser son inspiration dans la nature environnante donnant ainsi une dimension poétique à ses oeuvres. L‘artiste Danois puise son inspiration dans tous les éléments environnants de la nature. Ses grès portent des noms tels que : Branches, Bourgeons, Germination ou encore Boutons et donnent ainsi vie à l’ensemble de ses créations. En tant qu’expert, Barnie’s estime gratuitement toutes vos oeuvres de Axel Salto.

S’inspirer de l’inflorescence naturelle

Dans les années 30, l’artiste danois va collaborer avec la manufacture Royale de Copenhague et recevra par la suite le grand prix de céramique de l’Exposition Universelle de 1937. Axel Salto réussi au travers de ses compositions à développer des formes plus ou moins organiques offrant des couleurs présentent dans les sous bois. Il développe des techniques donnant un aspect boursouflé, parfois piqueté à ses vases. Autant d’élément et de techniques auxquels Barnie’s est sensible. C’est pour cette raison que nous vous proposons un service d’estimation gratuit de vos céramiques et oeuvres signées Axel Salto.

Entre poésie et céramique

Dans l’ensemble de ses oeuvres, le céramiste danois introduit une dimension organique. L’artiste façonne ses vases, leur donne des couleurs végétales, favorise les jeux d’ombres. Son oeuvre est également marquée par la germination, l’éclosion, par tout un ensemble de notes poétiques révélant la substance et le raffinement développé. Pour cela, Barnie’s est à même d’évaluer les qualités artistiques de l’oeuvre céramique. Axel Salto c’est avant tout un artiste ayant su marquer par son originalité et l’alliance unique de la poésie et de la céramique.

Expertise et estimation des œuvres d’Axel Salto

Barnie’s recherche activement les céramiques de Axel Salto. Nos équipes se déplacent rapidement pour réaliser une expertise de qualité et une estimation de vos œuvres du céramiste danois.

Les céramiques d’inspiration organique d’Axel Salto sont très recherchées pour leur formes uniques et leur manière d’incarner l’évolution végétale. Il suffit d’y regarder leurs noms pour comprendre tout le pouvoir artistique qu’incarne ces œuvres. Le vase “Bourgeons” de 1956, est grès ou encore le vase dit “Germinatif” incarne toute la poésie de la nature, et comment cette dernière évolue. N’hésitez pas à consulter notre page dédiée aux prix de vente d’Axel Salto pour en savoir plus sur sa cote

Œuvres réalisées par Axel Salto

Sculpture

CÉRAMIQUE

Dimitri Chiparus, aussi appelé Demeter ou Demetre Chiparus, est né à Dorohoi en Roumanie en septembre 1886. Son parcours est ponctué de voyages entre l’Italie et la France. En 1909, l’artiste sculpteur se rend en Italie où il suit les cours de Raffaello Romanelli. Par la suite, il part pour la capitale française pour parfaire sa formation à l’École des beaux arts avec Antonin Mercie et Jean Boucher.

L’alliage des matières

La combinaison de bronze et d’ivoire, aussi appelée chryséléphantine, a eu un effet remarquable sur le travail de l’artiste. En effet, cet alliage donne de l’éclat, de la brillance et un effet stylistique personnalisé. Durant cette période, son travail sur la matière se trouve enrichi par sa série de figurines d’enfants. La récréation ou encore Lazzarone, dit aussi Le petit joueur d’accordéon, en sont les parfaits exemples.

Sculptures aux influences égyptiennes

Dimitri Chiparus est un sculpteur du mouvement Art Déco, principalement connu pour ses sculptures chryséléphantines représentant des danseuses. La plupart de ses plus grandes œuvres sont réalisées entre les années 1914 et 1933. Durant les années 20, les créations du sculpteur sont inspirées des travaux de fouilles en Égypte, notamment par la découverte de la tombe de Toutankhamon. Cette influence va se retrouver par la suite dans la réalisation de danseurs aux costumes égyptiens, aux poses variées. Son travail sera de plus inspiré par les Ballets russes et le music-hall.

Les bronzes de Chiparus

La maturité du travail de l’artiste atteint donc des sommets début 1920. Des sculptures remarquables tant par leur technicité que par la qualité des matériaux contribuent à sa notoriété. Mais c’est avec sa Danseuse au cerceau (c.1925), inspirée par la danseuse Zoula de Boncza des Folies Bergères, qu’il va réaliser une de ses plus brillantes œuvres.

Un style unique

Les sculptures chryséléphantines de Chiparus sont très recherchées sur le marché de l’art. Les célèbres danseuses que l’artiste a mises en scène dans une ambiance des années 30 sont très appréciées pour leur formidable mélange de matières. Les statuettes de bronze et d’ivoire reposent sur un socle en marbre ou bien en onyx qui s’associent pour former une scène pleine de joie.

Ses sculptures Art déco, d’une grande élégance, sont aujourd’hui reconnues internationalement et bénéficient d’une présence permanente au musée La Piscine de Roubaix ainsi qu’au musée d’Art nouveau et d’Art déco de Salamanque en Espagne.

Œuvres de Dimitri Chiparus

Expertise et estimation des œuvres de Dimitri Chiparus

Vous possédez une sculpture ou une céramique de Dimitri Chiparus ? Les équipes de Barnie’s vous proposent une estimation de vos œuvres et s’engagent à vous transmettre une offre d’achat au prix du marché (sans obligation de vente). Pour recevoir votre offre d’achat, il vous suffit de renseigner le formulaire en y joignant des photographies de votre ou de vos pièce(s).

N’hésitez pas à consulter notre page dédiée à la cote des oeuvres de Dimitri Chiparus pour en savoir plus sur les prix de vente de ses œuvres.

Sculpteur, graveur, François-Xavier Lalanne a su s’imposer comme un artiste de référence de notre époque. Fort de sa formation à l’Académie Julian il fera sa première exposition de peinture à la galerie Cimaise en 1953 à Paris.

Parcours d’un sculpteur, graveur sur cuivre, designer

François-Xavier Lalanne est né à Agen en 1927. Après une scolarité chez les jésuites, il se rendra à Paris étudier la peinture, le dessin et la sculpture. Cette approche du monde de l’art va ainsi lui permettre de découvrir de nombreux artistes du surréalisme comme par exemple Max Ernst ou Marcel Duchamp. Mais cette expérience parisienne va également lui permettre de côtoyer des artistes tels que Brancusi, Dali ou encore Magritte. Ces rencontres vont influencer de manière significative ses créations et son œuvre.

Les arts décoratifs au cœur de son œuvre

L’œuvre de ce sculpteur suscite rapidement l’intérêt de grandes figures. En 1950, il va notamment décorer la nouvelle boutique parisienne de Dior située avenue Montaigne. Un décor élaboré avec le jeune assistant Yves Saint Laurent, qui deviendra par la suite un fervent admirateur. Puis de grands collectionneurs tels les Rothschild vont se pencher sur ses œuvres et voir en lui un grand artiste. En 1956, la rencontre avec  Claude Dupeux, va donner une nouvelle impulsion à sa carrière. Tous deux se marient et commencent ensuite à travailler sous le nom Les Lalanne. Leur première exposition aura lieu à la galerie J. à Paris et sera un de leur premier succès. Cette exposition présentera notamment un rhinocéros abritant un bureau. Cela marquera le début du courant mené par les deux artistes mêlant sculptures et meubles.

La représentation animale

François-Xavier Lalanne est avant tout connu pour son bestiaire et ses créatures duplices, composites. Tout au long de sa carrière, il va incorporer des animaux dans les meubles qu’il dessine. Des meubles uniques et représentatifs de l’art décoratif tels que la boîte de sardine-canapé ou encore le mouton utilisable comme fauteuil. Une des volontés de l’artiste étant d’allier le beau à l’utile et de s’approprier l’art car comme le mentionnait le designer “Quand on peut s’asseoir sur une œuvre, elle devient plus familière”.

Expertise et estimation des œuvres de François-Xavier Lalanne

Au fil des années Barnie’s Art Invest a su étayer un sens de l’expertise de plus en plus pointu. C’est, entres autres, grâce à notre expérience que nous sommes désormais à même d’évaluer vos œuvres de François Xavier Lalanne. Notre équipe d’acheteurs qualifiés se déplace rapidement et réalise une estimation gratuite et de qualité de toutes vos œuvres du sculpteur français.

Parmi toutes les œuvres représentant des animaux, certaines des sculptures de François-Xavier Lalanne comptent parmi les plus belles et les plus recherchées. Sa sculpture « Deuxième Rhinocéros » est un formidable jeu de matières. Elle est savamment composée de laiton, bois, cuir, et acier qui en font l’une des œuvres les plus appréciées des amateurs d’art. Il en va de même pour la deuxième édition de son « Gorille de Sûreté de 1984« , entièrement constitué de bronze.

Œuvres réalisées par François-Xavier Lalanne

Sculpture

Mobilier

François-Xavier Lalanne, les plus belles expositions

Expositions

• 1952, première exposition personnelle, Paris, France
• 1966, 1970, 1974, exposition « Les Lalanne », Galerie Alexandre Iolas, Paris, France
• 1967, exposition à The Art Institute, Chicago, Illinois, États-Unis
• 1970, exposition « Les Lalanne », Galerie Iolas, Milan Italie et Genève, Suisse
• 1972, exposition «  X. Lalanne », Maison de la culture, Amiens, France
• 1973, exposition « Lalanne », Maison de la culture, Amiens, France
• 1974, « F.X. & C. Lalanne » Royal Scottish Academy, Édimbourg, Grande-Bretagne
• 1975, exposition « Les Lalanne », Centre national d’art et de culture Georges Pompidou, Paris, France
• 1975, exposition « F.X. et Claude Lalanne », Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam, Pays-Bas
• 1976, exposition « Les Lalanne, Galerie Sara Gilat, Jérusalem, Israël
• 1977, exposition “Les Lalanne”, Art Museum of South Texas, Corpus Christi, Texas, États-Unis
• 1980, exposition “Les Lalanne”, Château de Sédières, France
• 1980, exposition “Le monumentaux de Lalanne”, Chapelle de la Villedieu, Saint-Quentin-en-Yvelines, France
• 1983, exposition “Les Lalanne, la Magie blanche dans la vie de tous les jours”, Atelier 74, Annecy, France
• 1983 “Les Lalanne”, Musée de Nemours, France
• 1985, exposition, Galerie Holin, Miami, États-Unis
• 1989, exposition “Les Lalanne”, Galerie Art Project, Nice, France
• 1990, exposition “Les Lalanne”, l’Hippodrome, Douai, France
• 1991, exposition “Les Lalanne”, Château de Chenonceau, Chenonceau, France
• 1997, exposition “Les hippopotames”, Mikomoto, Tokyo, Japon

Rétrospectives

• 1998, rétrospective “Les Lalanne à Bagatelle”, Parc de Bagatelle, Paris, France
• 2010, rétrospective consacrée à François-Xavier et Claude Lalanne, Musée des Arts décoratifs de Paris, France
• 2021, rétrospective « Les Lalanne à Trianon », Domaine du Petit Trianon et du Hameau de la Reine, Versailles

Musées

• Musée national d’Art moderne, Centre Georges Pompidou, Paris, France
• Jardins du Palais de l’Élysée, Paris, France
• Fonds National d’Art contemporain, Paris-La Défense, France
• Parc Georges-Brassens, Paris, France
• Musée des Arts Décoratifs, Paris, France
• Musée Yves-Saint-Laurent, Paris, France
• Musée national et Manufactures nationales des Gobelins, de Beauvais et de la Savonnerie, Paris, France
• Place des oies, Sarlat-la-Canéda, France
• Château de Brécy, Saint-Gabriel-Brécy, France
• Musée de la Vallée, Barcelonnette, France
• Fonds Régional d’art contemporain de Picardie, Amiens, France
• Musée de l’Abbaye de Sainte-Croix, Les Sables-d’Olonne, France
• Musée d’Art Moderne Dunkerque, France
• Musée des Beaux-Arts, Agen, France
• Manufacture et Musée nationaux, Sèvres, France

Musées à l’étranger 

• Musée Reflex, Anvers, Belgique
• Musée Cooper-Hewitt, New York, États-Unis
• Château de Winsdor, Grande-Bretagne
• Musée de plein air Hakon, Japon
• Musée Boijmans Van Beuningen, Rotterdam, Pays-Bas

Fondations 

• Fondation Bemberg, Toulouse, France
• Fondation Pierre Gianadda, Martigny, Suisse

Les principaux livres sur François-Xavier Lalanne

• ABADIE Daniel, Lalanne(s), éd. Flammarion, 2009, 352 p.
• DANNATT Adrian, François-Xavier and Claude Lalanne, In the Domain of Dreams, éd. Rizzoli Usa, 2018, 272 p.
• GABET Olivier, Les Lalanne, catalogue préfacé par Hélène David-Weill, introduction par Béatrice Salmon et Dominique Forest, éd. Musée des arts décoratifs, 2010, 143 p.
• MARCHESSEAU Daniel, Les Lalanne, éd. Flammarion, 1998, 157 p.
• ROSENBLUM, Les Lalanne, éd. Skira, 1991, 142 p.
• RUSSELL John, BROWNSTONE Gilbet et GAUTHIER Blaise, Les Lalanne, éd. SMI, 1975, 108 p.

Biographie complète : La nature représentée par François-Xavier et Claude Lalanne

La représentation de l’animal en sculpture existe depuis des temps immémoriaux, mais a connu un essor de popularité depuis le XIXe siècle.

Antoine-Louis Barye est alors le plus grand sculpteur animalier, célèbre pour son modelé expressif et son réalisme dynamique. Plus tard, au XXe puis au XXIe siècles, le renouvellement constant de la représentation animale par des artistes tels Rembrandt, Bugatti, ou François Pompom, a permis de maintenir la cote du sujet animalier, dont François-Xavier et Claude Lalanne sont aujourd’hui les fers de lance.

L’univers des époux Lalanne, peuplé d’animaux réalistes et parfois étranges, sert l’art moderne tel qu’il est conçu dès le milieu du XXe siècle. L’intérêt pour ces sculptures utilitaires proches de la nature est loin de tomber dans l’oubli.

Le bestiaire des époux Lalanne

Les époux Lalanne aiment et célèbrent l’univers animalier, et la nature en général. Le réalisme est au cœur de leur démarche artistique, notamment pour Claude, qui a expérimenté l’empreinte, le moulage, et la galvanoplastie. Bien que l’on a souvent rapproché l’œuvre des époux Lalanne de l’Art nouveau, il n’en est rien. La nature dans l’œuvre de ces derniers n’est pas stylisée, elle est réaliste. De plus, si la flore est présente dans l’œuvre des époux Lalanne, c’est le sujet animalier qui domine leur production.

Leur atelier et leurs sources d’inspiration sont leur jardin, les campagnes et les forêts. Ils travaillent avec et pour la nature qu’ils restituent de la façon la plus vraisemblable possible, sans artifice. Dans sa sculpture en bronze « Lapin chou », Claude Lalanne mêle deux représentations très réalistes d’un chou et d’un lapin, qui s’ornent mutuellement.

Leurs recherches s’inspirent sûrement du bestiaire de Bernard Palissy au XVIe siècle, mais également d’autres artistes comme Falize pour son travail d’orfèvre sur les couverts naturalistes, qui rappellent ceux réalisés par Claude pour Dali en 1965 qui se terminent en coquille d’escargot ou encore les couverts pour Alexandre Iolas en 1966 en argent, animé de motifs floraux.

Ils collaborent avec la manufacture de Sèvres et s’inspirent de Léon Kann, dessinateur et modéliste, dont le motif principal d’ornement est l’ombelle. Jean-Joseph Carriès, sculpteur et céramiste proche du mouvement symboliste, est une autre source d’inspiration, notamment lorsque les époux réalisent les « Escargots-doigts » ou encore les « Colliers bouches » de Claude Lalanne. Si les époux n’ont jamais revendiqué s’inspirer de ces artistes, ils restent des descendants de leur lignée artistique.

Le rapport à l’environnement et à la nature est donc primordial pour les époux Lalanne. De « La Mouche » à « La Sauterelle », réalisées dans les années 1960, tout un répertoire se fait jour. Ces artistes créent la nature, pour la rendre à elle-même et celle-ci n’a d’autres intérêts que de s’y fondre. La nature va même jusqu’à habiller des choses de la nature.

Les premiers « Moutons de Laine », œuvres iconiques des époux Lalanne apparaissent au milieu des années 1960. L’œuvre globale est souvent composée de plusieurs pièces, fait l’effet d’un troupeau, en accord avec le désir de ses créateurs. C’est un peu comme dirait François-Xavier Lalanne « la campagne à Paris ».

Les primates ont constitué une autre série d’importance pour les époux. « Le Babouin » et « Le Gorille » sont des sculptures utilitaires, se transformant en antre de cheminée pour l’un et en coffre pour l’autre. Les époux aiment à représenter des forces de la nature, plus ou moins imaginaires comme « Le Minotaure ».

L’univers fantastique en contradiction avec la représentation réaliste de la nature n’est jamais très loin dans l’œuvre des époux Lalanne, notamment pour la réalisation du « Grand Chat », créature polymorphique entre la tête de félin, la queue d’un poisson, finissant à ergots et sabots, avec des mamelles.

De l’anecdote au génie créatif

François-Xavier et Claude Lalanne sont les dignes héritiers de la représentation moderne de l’animal. Chez les époux Lalanne, l’art animalier est un thème où l’anecdote est transcendée. Inspirés par les artistes et les penseurs modernes, proches du surréalisme, les époux s’attaquent au répertoire animalier mainte fois employé par leurs prédécesseurs, mais dans un élan créatif tout autre. Ils détournent le réel, animal et végétal, sans jamais transiger avec le réalisme. Espiègle et réfléchie, la démarche tend à une maitrise du langage et du sens des mots appliqués en art.

Si en 1973 les époux inventent « l’Âne de Pompadour », matérialisé par une sculpture d’âne à l’échelle 1 qui se transforme en un bureau, c’est pour rendre matériel le fameux « bureau dos d’âne » très en vogue sous Louis XV. De même, lorsque François-Xavier Lalanne imagine le « Fauteuil Crapaud », inspiré du nom donné à un fauteuil iconique du XIXe siècle, en lui donnant la forme d’un amphibien.

L’expression « être serrés comme des sardines » leur donne l’idée de créer des coussins représentant des sardines, qui ont vocation à décorer un canapé, sur lequel, la place peut manquer. C’est à ce stade que l’on peut aisément comprendre que la création est un jeu sans fin pour les époux Lalanne.

Les logiques des expressions françaises et de la littérature en général, guident la création des époux. Il existe toujours un lien, même lointain, entre la représentation animale de la sculpture avec son aspect utilitaire. Un hippopotame, adepte des cours d’eau et des rivières, devient logiquement le réceptacle d’une baignoire.

Leurs références littéraires sont multiples. Alice au pays des merveilles, mais également d’autres œuvres littéraires majeures comme L’écume des jours de Boris Vian, chef-d’œuvre où les mots-valises permettent de développer l’imagination. Serait-ce un hasard si en 1964 François-Xavier Lalanne crée le « Rhinocrétaire », très proche du pianocktail décrit par l’écrivain dans son célèbre ouvrage ?

L’univers merveilleux des époux Lalanne

Regard décalé sur la nature presque imaginaire, à l’image du conte d’Alice au pays des merveilles, « les Lalanne » (comme on les surnomme depuis 1965) ne s’imposent aucune barrière dans la création. Lorsqu’Alice utilise un hérisson comme boule et un flamand rose comme maillet, pour jouer au croquet, les Lalanne utilisent un crocodile comme dossier d’un fauteuil, un mouton comme siège, un poisson comme sac, un chameau comme banquette et les ailes d’un papillon pour bijou.

Leur première exposition commune se déroule à la galerie Jeanine Restany, en 1962, exposition appelée « Zoophytes », évoquant avec humour, leur passion pour la représentation animale en sculpture. Là se dresse un monde au-delà des frontières du réel, où l’animal et le végétal ont une place prépondérante. François-Xavier y présente son fameux « Rhinocéros » en cuivre qui se transforme en baignoire et Claude ses célèbres « Choupattes ». Décliné à l’infini dans les objets du quotidien, la nature souvent représentée à l’échelle 1, est l’élément essentiel de leur création.

Bien que très réaliste, la représentation animale exalte et célèbre l’univers merveilleux et parfois même l’étrange. « La Pomme » représente une sculpture en bronze doré, représentant une pomme et une bouche. Cette représentation, très proche de l’univers de René Magritte, intrigue et peut déranger le regard qui s’attarde sur cette vision étonnante. La tête est à nouveau détournée par les époux Lalanne avec la sculpture « L’Homme à la tête de choux » où le légume remplace la tête de la personne représentée, rendant impossible son individualisation.

Claude Lalanne crée, au travers de la sculpture, des objets dans un soucis d’esthétisme naturel et de design pratique. Cette sculptrice, ayant étudié l’architecture à l’Ecole des Beaux-Arts et à l’Ecole des Arts Décoratifs de Paris, offre des œuvres uniques, influencées par le monde vivant. Ses créations d’inspiration florale, ou encore animale, dénotent un univers, une œuvre singulière puisant dans son amour pour la nature et une volonté utilitaire forte. Des œuvres telles que Miroir branches réalisé en 2015 ou encore Bambiloba réalisé en 2006 reflète cette intention de créer des sculptures utilitaires.

Claude Lalanne est également reconnue pour ses collaborations avec son époux François-Xavier Lalanne, rencontré dans une galerie en 1952, et avec qui elle deviendra célèbre sous le nom “Les Lalanne”.

« Les Lalanne »

Le couple trouve une certaine forme d’inspiration et de complémentarité au travers des textures, des lignes et des formes rencontrées dans la nature. C’est une série de commande effectuée par Yves Saint Laurent et Pierre Bergé, au cours des années 60, qui va leur octroyer une visibilité internationale. Les Lalanne trouvent l’inspiration dans les formes et lignes traditionnelles et les textures présentes dans la nature. Claude s’inspire particulièrement des plantes et des fleurs tandis que François-Xavier s’intéresse aux animaux.

Claude Lalanne est une artiste vive aux goûts baroques. Elle sculpte et façonne des compositions à la fois esthétiques et utilitaires, elle crée un univers alliant le mobilier et l’œuvre d’art. Une œuvre végétale se composant de bancs ou encore de miroirs aux motifs végétaux en bronze mais également des objets décoratifs aux détails manifestes. Elle s’inspire d’une nature qu’elle admire, dont elle aime à s’emparer afin de plonger ses sculptures dans des bains de galvanoplastie pour qu’elle ressortent argentées. Elle donne ainsi à ses pièces une surface métallique détaillée.

Expertise et estimation des œuvres de Claude Lalanne

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L’artiste est particulièrement appréciée dans le monde de l’Art pour ses œuvres qui semblent être de véritable déclaration d’amour à la nature. Sa sculpture “Pomme” de 2008, en incarne la plus simple mais riche expression. De la même manière, sa sculpture de “Guépard à Tête Droite” est tout autant aimée pour la même raison.

Œuvres réalisées par Claude Lalanne

Sculpture – Objet

Mobilier Design

Claude Lalanne, les plus belles expositions

Expositions

• 1952, première exposition personnelle, Paris, France
• 1966, 1970, 1974, exposition « Les Lalanne », Galerie Alexandre Iolas, Paris, France
• 1967, exposition à The Art Institute, Chicago, Illinois, États-Unis
• 1970, exposition « Les Lalanne », Galerie Iolas, Milan, Italie et Genève, Suisse
• 1973, exposition « Lalanne », Maison de la culture, Amiens, France
• 1974, « F. X. & C. Lalanne » Royal Scottish Academy, Édimbourg, Grande-Bretagne
• 1975, exposition « Les Lalanne », Centre national d’art et de culture Georges Pompidou, Paris, France
• 1975, exposition « F.X. et Claude Lalanne », Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam, Pays-Bas
• 1976, exposition « Claude Lalanne », Musée de l’Avale Sainte-Croix, les Sables-d’Olonne, France
• 1976, exposition « Les Lalanne », Galerie Sara Gilat, Jérusalem, Israël
• 1977, exposition « Les Lalanne », Art Museum of South Texas, Corpus Christi, Texas, États-Unis
• 1980, exposition « Les Lalanne », château de Sédières, France
• 1983, exposition « Les Lalanne », la Magie blanche dans la vie de tous les jours”, Atlier 74, Annecy, France
• 1983, exposition « Les Lalanne », Musée de Nemours, France
• 1985, exposition, Galerie Holin, Miami, États-Unis
• 1989, exposition « Les Lalanne », Galerie Art Project, Nice, France
• 1990, exposition « Les Lalanne », l’Hippodrome, Douai, France
• 1991, exposition « Les Lalanne », château de Chenonceau, Chenonceaux, France
• 1997, exposition « Les hippopotames », Mikomoto, Tokyo, Japon

Rétrospectives

• 1998, rétrospective “Les Lalanne à Bagatelle”, parc de Bagatelle, Paris, France
• 2010, rétrospective consacrée à François-Xavier et Claude Lalanne », Musée des Arts décoratifs de Paris, France

Musées

• Musée national d’Art moderne, Centre Georges Pompidou, Paris, France
• Jardins du Palais de l’Élysée, Paris, France
• Fonds National d’art contemporain, Paris-La Défense, France
• Parc Georges-Brassens, Paris, France
• Musée des Arts décoratifs, Paris, France
• Musée Yves-Saint-Laurent, Paris, France
• Musée national et Manufactures nationales des Gobelins, de Beauvais et de la Savonnerie, Paris, France
• Musée de la Manufacture nationale de porcelaine des porcelaines, Sèvres, France
• Place des oies, Sarlat-la-Canéda, France
• Château de Brécy, Saint-Gabriel-Brécy, France
• Musée de la Vallée, Barcelonnette, France
• Fonds Régional d’art contemporain de Picardie, Amiens, France
• Musée de l’Abbaye de Sainte-Croix, Les Sables-d’Olonne, France
• Musée d’Art Moderne, Dunkerque, France
• Musée des Beaux-Arts, Agen, France
• Manufacture et Musée nationaux, Sèvres, France

Musées à l’étranger 

• Musée Reflex, Anvers, Belgique
• Musée Cooper-Hewitt, New York, États-Unis
• Château de Winsdor, Grande-Bretagne
• Musée de plein air Hakon, Japon
• Musée Marie Laurencin, Chiago, Japon
• Musée Boijmans Van Beuningen, Rotterdam, Pays-Bas

Fondations 

• Fondation Bemberg, Toulouse, France
• Fondation Pierre Gianadda, Martigny, Suisse

N’hésitez pas à consulter notre page dédiée aux prix de vente de Claude Lalanne pour en savoir plus sur sa cote.

Un environnement familial artistique

Diego est né le 15 novembre 1902 à Borgonovo, petit village Suisse. Son père, le peintre Giovanni Giacometti, va lui transmettre sa passion pour les arts.

Frère d’Alberto Giacometti, Diego a su, par son ingéniosité, se faire une place dans le milieu de la sculpture et du design. La collaboration des deux frères fut étroite et grandement encouragée par leur père. Les deux artistes ont partagé pendant longtemps leur atelier, ils se sont influencés, complétés, parfois même opposés. En assistant son frère dans la fabrication de structures, Diego prenait part dans la réalisation d’armatures pour les œuvres de son aîné. Il veillait à la bonne mise en place des procédés de fonte de bronze, appliquait la patine et sauvait même certaines pièces des humeurs de son frère, ce qui lui conféra une approche unique de la matière.

L’œuvre de Diego Giacometti semble marquée par l’influence de son frère. Après la mort de celui-ci, Diego a étendu son ouvrage. Sa production a redoublé, lui donnant une plus grande visibilité mais lui permettant surtout d’imposer un style personnel. Des statues hiératiques aux fauteuils ornés de têtes de lions finement sculptés en passant par les lampadaires au design végétal, cet artiste s’impose comme un sculpteur de talent.

L’univers animalier

Diego Giacometti réalise des croquis d’animaux en bronze en s’appuyant sur l’esthétique des sculptures anciennes et des dessins primitifs. Il sculpte en alliant les matières, il représente des animaux, les met en scène. L’utilisation du bronze, à la propriété élastique, lui permet de travailler ses supports avec minutie. Les techniques utilisées sont diverses et requièrent des techniques spécifiques parfois coûteuses que le sculpteur maîtrise. Sa dextérité tout comme son désir de renouer avec une très haute qualité de production marque son mobilier et ses sculptures, ce qui lui vaudra le surnom d’As des patines.

Le monde animalier est pour Giacometti une source de richesse artistique. En tant que designer, il allie esthétique et fonctionnalité. Dans un univers onirique, ses compositions offrent un effet visuel imprégné de légèreté, comme la réalisation de la Table arbre à la souris. L’éloquence de ses sculptures reflète un rapport à la nature très personnel, un soucis du détail et une volonté d’allier les matières. Des œuvres telles que sa célèbre sculpture L’Autruche réalisée en 1977, ou encore le Chat maître d’hôtel en 1967 en sont les parfaits exemples.

Fauteuils à têtes de lion

Expertise et estimation des œuvres de Diego Giacometti

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Les créations de Diego Giacometti sont aussi oniriques et poétiques que leurs noms. Dans un style toutefois sobre, et élégant, cet artiste nous fait entrevoir un monde plein d’imagination, qui s’inscrit dans la simplicité et le mythologique. Sa sculpture « Chat Maître d’Hôtel », qu’il créé entre 1961 et 1964, frôle même parfois l’absurde. Mais Giacometti maîtrise aussi l’art de la tempérance. Fin décorateur, il crée également la superbe « Table au dragon à l’oiseau« , symbole de pureté et d’innocence. N’hésitez pas à consulter notre page dédiée aux prix de vente de Diego Giacometti pour en savoir plus sur sa cote.

Œuvres réalisées par Diego Giacometti

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Sculpture

D’origine Suisse, Jean Dunand est un artiste français né le 20 mai 1877 à Lancy. Durant sa jeunesse, il entre à l’École des Arts Industriels de Genève et en sort en 1897. Grâce à la bourse de voyage qui lui est attribuée il part pour Paris. Une fois arrivé dans la capitale française, il va travailler comme ouvrier ciseleur et suivre par la même occasion des cours du soir auprès de l’artiste sculpteur Jean Dampt. C’est grâce à cette rencontre qu’il va s’essayer à l’art de la sculpture, puis présenter un buste à l’Exposition Internationale de 1900 pour enfin se tourner vers le travail du métal.

Un artiste pluridisciplinaire

Jean Dunand fut très intéressé par différents courants. Il s’essaye à la peinture, à la sculpture, à la dinanderie et la laque. En effet, bien que tout d’abord formé à la sculpture, il n’hésite pas à s’orienter vers les Arts Décoratifs et la dinanderie, ce qui lui vaudra une grande renommée et notamment celle de “plus grand créateur Art Déco” selon Félix Marcilhac.

Des rencontres d’envergure

Ce grand artiste du XXème siècle, est marquant tant son intérêt pour les différents courants artistiques de son époque est grand. Il va se pencher, par exemple, sur des domaines tels que celui du mobilier avec Jacques-Émile Ruhlmann, artiste avec qui il va travailler le design et la décoration intérieure.

L’art de la dinanderie

Fils d’un fondeur d’or dans l’horlogerie, Jean Dunand semble attiré par le travail du métal. Ce fut un très grand dinandier, l’un des plus célèbres à maîtriser la laque. Parmi ses oeuvres les plus célèbre, on compte de nombreux vases. Qu’il s’agisse de vases sphériques en dinanderie d’étain à surface martelée à larges facettes ou encore de vases godrons en dinanderie de cuivre à patine verte, le travail de l’artiste est remarquable de finesse, de créativité et de technicité.

Un talent pour l’art de la laque

Jean Dunand est un célèbre maître dinandier mais aussi l’un des plus célèbres occidentaux à maîtriser l’art de la laque. C’est en 1912, après une rencontre avec le japonais Seizo Sugawara qu’il s’initia à la laque. Ainsi en 1913, au salon des artistes décorateurs, il présenta un Vase aux serpents mesurant près de 1,30m et une pendule Caducée en bronze. Il multiplie les techniques et les procédés et va également montrer un talent pour le dessin et la réalisation de nombreux portraits au moyen de fusain, de crayon ou encore de gouache.

Une production importante

Durant sa vie Jean Dunand réalise plus de 1200 oeuvres. Mais au cours de sa carrière il va aussi constituer des groupes d’artistes avec lesquels il va réaliser des expositions comme par exemple à la galerie George Petit. D’autre part, il va devenir célèbre pour ses talents décoratifs. Il utilisera pour cela, paravents, vases et meubles en laque pour la décoration en 1925 du pavillon des Métiers d’Arts. Ce qui lui vaudra par la suite de recevoir plusieurs commandes pour la décoration intérieur de paquebots. Pour toutes ces raisons Barnie’s se tient à votre écoute pour l’expertise ou l’estimation de vos tables, bahuts ou fauteuils signés Jean Prouvé.

Expertise et estimation des œuvres de Jean Dunand

Barnie’s, société d’estimation d’objets d’Art recherche activement les œuvres de Jean Dunand. Notre équipe d’acheteurs qualifiés se déplace rapidement et réalise une estimation de qualité des sculptures et peinture de l’artiste Suisse.

Qu’il s’agisse de ses objets de décoration, de son mobilier ou de ses peintures, les œuvres de Jean Dunand rayonnent d’authenticité. « La Table de jeu«  qu’il crée en 1925, incarne tout le caractère ancien que l’artiste a toujours recherché durant sa carrière. On retrouve cette authenticité et le sens du détail dans ses travaux de dinanderie : son « Vase oblong » est très recherché pour son design unique, qui s’accorde à merveille à une ambiance sombre et chic. Quant à ses tableaux, ils sont de véritables merveilles de pluridisciplinarité. Dans le superbe portrait Madame Agnès il utilise des feuilles d’argent, de la laque et d’autres matériaux qui offre un rendu profond et énigmatique à la femme représentée. N’hésitez pas à consulter notre page dédiée aux prix de vente de Jean Dunand pour en savoir plus sur sa cote.

Œuvres réalisées par Jean Dunand

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Peinture